La poesía de Garcilaso de la Vega (1491/1503 – 1536) supone la más acertada muestra de la renovación vivida en la lírica renacentista española durante el siglo XVI. Capitán de Carlos V, su obra —modelo de aparente naturalidad forjado con rigor de orfebre— elevó el castellano a lengua de arte mayor mediante una selección léxica milimétrica donde cada palabra cumple una función meditada. Tras esa aparente sencillez late un diálogo erudito: reelaboró motivos clásicos (desde Virgilio hasta Petrarca) para expresar sus propios dilemas, de modo que lo biográfico —el amor, el exilio, la pérdida— trascendiera en motivos universales.
Este diario de lectura pretende entender los mecanismos de su poética: cómo sus églogas convierten el paisaje del Tajo en espejo del alma, por qué sus endecasílabos lograron una nueva catarsis lírica en lengua española, y de qué modo este soldado-poeta sentó las bases de una tradición que atraviesa desde san Juan de la Cruz hasta los poetas de la actualidad que aún dialogan con el soneto.
Tres claves explican su vigencia: la precisión como forma de honestidad, la emoción contenida como intensificación del efecto, y esa paradoja fundacional que aún desafía a sus herederos: hacer eterno lo perfectamente imperfecto de lo humano.
PK
La poética de Garcilaso de la Vega
1. INTRODUCCIÓN
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Figura clave del Renacimiento español, obra breve pero fundacional.
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Edición póstuma (1543): 3 églogas, 38 sonetos, canciones, elegías y poesía tradicional.
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Objetivo poético: Sublimar el dolor amoroso mediante la belleza clásica.
2. ETAPAS CREATIVAS (Evolución hacia la síntesis renacentista)
A. Primera etapa: Raíces medievales (hasta 1531)
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Influencias: Cancionero tradicional + Ausiàs March.
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Temas: Celos, desengaño, inconstancia amorosa (ej. «¿Qué testimonios son estos?»).
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Estilo: Conceptismo heredado del XV, pero buscando voz propia.
B. Segunda etapa: El giro petrarquista (1526-1532)
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Musa cuestionada: ¿Isabel Freyre o Beatriz de Sá (Elisa)?
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Obras clave: Sonetos I, VI, XXVI; Canciones I y IV.
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Recursos: Idealización de la amada, dolor por su muerte/desdén.
C. Tercera etapa: Madurez en Italia (1532-1535)
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Tono sereno: Coplas a Boscán, Soneto IV («Dulces prendas…»).
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Mitología: Orfeo, Apolo y Dafne como espejos del desamor.
D. Plenitud (1535-1536)
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Obra cumbre: Égloga III («Oh dulces prendas…»), Soneto XXIII («En tanto que de rosa…»).
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Temas: Carpe diem, fugacidad, naturaleza como reflejo del alma.
3. CLAVES POÉTICAS ARISTOTÉLICAS
A. Mímesis
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No copia, sino sublimación: Paisajes del Tajo = dolor transformado en arte.
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Eglogas: Naturaleza idealizada como escenario del drama íntimo.
B. Lenguaje
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Armonía renacentista: Endecasílabos, paralelismos, metáforas precisas.
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Ejemplo: Soneto XXIII («…coged de vuestra alegre primavera…»).
C. Catarsis
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Dolor → Belleza universal: El sufrimiento amoroso se purifica en el poema.
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Efecto en el lector: Identificación emocional a través del ritmo y la musicalidad.
4. LEGADO
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Cimentó el petrarquismo en español: Fusión de lo clásico y lo personal.
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Influencia: Desde Herrera hasta los poetas del Siglo de Oro.
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Frase clave: «Eternizar lo efímero»: la poesía como victoria sobre el tiempo.
Literatura española
«Si de mi baja lira
tanto pudiese el son, que en un momento
aplacase la ira
del animoso viento
y la furia del mar en movimiento»
GARCILASO DE LA VEGA
Movimiento literario RENACIMIENTO
📜 Movimiento literario: Renacimiento
📍 Contexto: Europa (siglos XV-XVI) · Humanismo · Reforma religiosa.
🎭 Temas: Amor idealizado · Naturaleza · Mitología.
✍️ Formas poéticas: Soneto · Égloga · Endecasílabo.
🇪🇸 En España: Boscán y Navagiero (1526) · Carlos V · Garcilaso.
Llamamos Renacimiento a un amplio movimiento cultural que se produjo en Europa Occidental durante los siglos XV y XVI. Fue un periodo de transición entre la Edad Media y los inicios de la Edad Moderna, impulsado por las ideas del humanismo italiano: una reivindicación de ciertos elementos de la cultura clásica griega y romana. Estos nuevos valores surgieron en las ciudades-estado italianas y desde allí se difundieron hacia el resto del continente. En este contexto, emergió un nuevo orden social en el que la burguesía asumió los valores individuales frente al feudalismo imperante, lo que provocó una ruptura del vínculo tradicional entre siervo y señor. Además, se produjeron inventos revolucionarios como la imprenta, la brújula y la pólvora, que cambiaron para siempre el curso de la historia económica y cultural.
Durante el Renacimiento, emergió una necesidad imperiosa de renovación religiosa que desafió la autoridad de la Iglesia Católica y transformó la comprensión y la práctica religiosa. Erasmo de Rotterdam, un destacado humanista holandés, abogaba por un retorno a un cristianismo más espiritual y menos ritualista, como crítica del abuso de poder de la Iglesia. Su filosofía tuvo una influencia significativa en el pensamiento renacentista, que valoraba la razón y la autonomía individuales. Paralelamente, la Reforma de Martín Lutero promovió una conexión más directa entre los individuos y Dios, denunciando prácticas corruptas de la Iglesia (como la venta de indulgencias). Estos nuevos pensamientos condujeron a una fragmentación del cristianismo y al surgimiento de nuevas denominaciones protestantes.
Una de las grandes leyendas de la lírica renacentista española tiene su origen en la conversación ya mítica entre Boscán y Navagiero en 1526. A partir de esa fecha, el petrarquismo comenzó a trazar las líneas esenciales de nuestra lírica y se establecieron algunas de las pautas que aún perduran en la poesía española, destacando la magnífica obra de Garcilaso de la Vega como referencia. La penetración del petrarquismo en España se produjo en un contexto cultural y político específico: los primeros años del reinado de Carlos V. Este momento histórico se caracterizó por la expansión política de los dominios españoles que llevaron a la unificación cultural de Europa bajo la figura del emperador.
Influencias HUMANISMO ITALIANO
🏛️ Orígenes: Recuperación de Grecia y Roma · Petrarca y Dante.
📚 Claves: Neoplatonismo · Soneto · ‘Dolce stil novo’.
🇪🇸 En Garcilaso: – Adaptación del endecasílabo. – Mitología + amor cortés. – *«Escrito está en mi alma vuestro gesto»* (Soneto V).
Según Francisco Rico, el humanismo italiano fue un sueño que «vislumbró el trazado de la ciudad ideal, pero le faltaron piedras y herramientas para construirla». Aquellos humanistas defendieron que «el fundamento de toda la cultura debía buscarse en las artes del lenguaje» y solo a través de la imitación de los grandes autores de Roma y de Grecia lograrían el renacer de una nueva civilización. Escribe Carlo Dionisotti que la revolución humanística se desarrolló en una Italia dividida y en un contexto de confrontación con los galos.
«Podrán tal vez, pasadas las tinieblas, volver nuestros lejanos descendientes al puro resplandor del siglo antiguo… Resurgirán entonces los ingenios, los ánimos despiertos, eminentes…»
FRANCESCO PETRARCA
Conexiones FRANCESO PETRARCA (1304 -1375)
📜 Padre del humanismo: Recuperó a los clásicos y reinventó la lírica amorosa.
❤️🔥 Paralelismos: Laura (Petrarca) ↔ Elisa (Garcilaso). – Sonetos como diálogo entre dolor y belleza.
🎯 Influencia: «Garcilaso españolizó el lamento petrarquista» (Rafael Lapesa).
Franceso Petrarca (1304-1374) celebró el sueño humanista menos como una respuesta contra las injusticias políticas del momento y más como un intento de resurrección de la Antigua Roma. «Pretendo seguir la senda de los maestros», escribiría al inicio de su formación. De esta manera, entre el 1200 y el 1300 se dio en Padua el comienzo de un nuevo estilo de literatura y además del proyecto de una civilización utópica, bajo la recuperación de la figura del escritor activo en la sociedad. El aprendiz de humanista debía conjugar el amor por las letras con la dulzura en el hablar, la nobleza de costumbres y el refinamiento de modales. Valores que llegaron a impregnar todas las esferas políticas florentinas.
La actividad de Petrarca puede resumirse en dos etapas diferenciadas: una de juventud en la que se empapó de Antigüedad clásica y una de madurez, más filosófica y de carácter aplicado. Dice Francisco Rico que entonces el humanista se consagró a componer unos textos más ágiles, menos exigentes, que salían al encuentro de la vida diaria, los avatares de la política, las relaciones de amistad, los problemas éticos y las grandes cuestiones intelectuales.
Podemos decir que la trayectoria del poeta anticipa la orientación de los siglos venideros, por eso se denomina petrarquismo a la corriente estética que imitó el estilo, las estructuras de composición, los tópicos y la imaginería del poeta lírico de la Baja Edad Media. El petrarquismo se integró en la cultura española de manera casi perfecta gracias al talento de Garcilaso de la Vega, un cortesano que quedó huérfano de padre y que entró al servicio del rey Carlos I en 1520 como contino real (un hombre allegado al rey y su Casa, que estaba junto a él y le ofrecía su total disponibilidad). Con la publicación de sus ‘Obras’ en 1543, se incorporó finalmente el endecasílabo común con múltiples variedades y el heptasílabo. Así establecieron ciertas composiciones estróficas que se convertirían en vías de expresión para los poetas españoles en los siglos venideros: como el soneto, la estancia, los tercetos encadenados, las octavas reales, los versos blancos y la lira.
«¿Eres Virgilio, pues, y aquella fuente
de quien mana tal río de elocuencia?
-respondí yo con frente avergonzada-.
Oh luz y honor de todos los poetas,
válgame el gran amor y el gran trabajo
que me han hecho estudiar tu gran volumen.
Eres tú mi modelo y mi maestro;
el único eres tú de quien tomé
el bello estilo que me ha dado honra».
DANTE ALIGHIERI
Conexiones DANTE ALIGHIERI (1265 -1321)
📜 Padre de la lengua italiana: ‘Divina Comedia’ y ‘Vita Nuova’.
🎭 Dolce stil novo: Amor como unión de mística e intelecto.
🔄 Influencia en Garcilaso: – Mitología como código emocional. – Sonetos que mezclan dolor y perfección formal.
Para comprender este impacto, es necesario retroceder a la Italia del siglo XIII, cuna del Renacimiento. Este movimiento buscaba revivir las ideas artísticas y filosóficas de la Antigüedad Clásica, lo que llevó a la popularización de conceptos como el bucolismo pastoril de Virgilio, el neoplatonismo, la mitología y el amor cortés entre los escritores. En este contexto es importante la obra de Dante Alighieri (1265-1321), intelectual insólito que llegó a las altas esferas políticas florentinas y que redactó la Comedia entre el 1307 y el 1321 (el adjetivo Divina le fue antepuesto en el siglo XVI). Esta es una obra tránsito entre la Edad Media y el humanismo, en la que el poeta sintetizó la historia universal y todo el conocimiento de la Antigüedad (con Virgilio como guía y referente), al tiempo que consolidó los nuevos espacios creados por los teólogos del Medievo, y con la que contribuyó de manera definitiva al nacimiento de la lengua italiana.
Ya en la ‘Vita Nuova’ (1292) de Dante se destaca la importancia del soneto. Este es una composición de 14 versos, divididos en dos cuartetos y dos tercetos, escritos en endecasílabos y con una secuencia de rima ABBA ABBA CDC DCD, aunque puede haber variantes, principalmente en la rima de los tercetos. La introducción del soneto no solo supuso la llegada de una nueva forma poética, sino también de una nueva concepción del mundo y de la contradicción del amor bajo la expresión toscana ‘Dolce stil novo’ (‘Dulce estilo nuevo’). Esta expresión se utilizó para referirse a una corriente de poetas italianos de la segunda mitad del siglo XIII (entre los que se incluía Dante Alighieri) que no es únicamente mística sino también subjetivista e intelectual.
Finalmente, dos siglos después, esta sensibilidad era traspasada bajo el nuevo tamiz de Francesco de Petrarca: la expresión de la sensualidad y de lo erótico sin que desaparezca la gentileza. Hemos dicho que ya en Dante, e incluso anteriormente, se desarrolla el sonetto y el endecasílabo, pero será en la obra de Petrarca en la que se conjugará a la perfección con los temas anteriormente citados dando lugar alrededor de Europa a toda una serie de obras marcadas por el hierro candente del poeta de Arezzo. Petrarca además es considerado el inventor del amor, ya que la sensibilidad italiana del siglo XV apreciaba en la literatura la idealización del amor humano inspirado en el neoplatonismo.
Según Prieto, la égloga, la elegía, la oda y la poesía narrativa no estaban incluidas en el ‘Canzionere’ de Petrarca y son fruto de la poesía renacentista. Por su parte, Friedrich argumenta que no solo debemos hablar de Petrarquismo, ya que autores como Bembo, Buonarroti y Tasso también aportaron novedades formales y conceptuales de gran importancia. Durante el Renacimiento de las artes, se integró el platonismo de Marsilio Ficino en los nuevos modelos y se desarrollaron los motivos cortesanos, como los juegos epigramáticos de Catulo y Horacio.
Los humanistas del siglo XV vislumbraron el ideal de belleza de la antigüedad y lo trasladaron a sus escritos y obras plásticas. Los tratados de Alberti y las proyecciones de Brunelleschi y Miguel Ángel son de gran importancia. El ideal transmitido de Italia a Garcilaso tiene que ver con la distribución simétrica de los materiales, la idealización de la naturaleza, la búsqueda de la elegancia y el buen gusto. Todo ello es supone una influencia directa de Virgilio y Horacio.
«Hablo en italiano con los embajadores, en francés con las mujeres, en alemán con los soldados, en inglés con los caballos y en español con Dios».
EMPERADOR CARLOS I DE ESPAÑA
1548. ‘Retrato de Carlos V sentado’ – Tiziano
Literatura española
LA LÍRICA RENACENTISTA
🌍 Contexto: Carlos V · Unificación cultural · Mecenazgo.
📜 Corrientes: – Popular: Romances octosílabos (‘Cancionero general’). – Culta: Soneto y endecasílabo (Boscán y Garcilaso).
🎭 Garcilaso: – Églogas: Naturaleza + dolor amoroso. – Sonetos: “Escrito está en mi alma vuestro gesto”.
El Renacimiento en España
Carlos I de España y V del Sacro Imperio Romano Germánico (1500-1558), figura emblemática del Renacimiento, simboliza el ideal de unificación estatal inspirado en el Imperio Romano, un concepto promovido por la Universidad de Bolonia. No obstante, este ideal no se materializó del todo en España debido a los intereses de una nobleza que mantenía privilegios adquiridos durante la Reconquista.
Aunque Carlos V apreciaba la música, no mostró un interés particular por las bellas artes. Sin embargo, su reinado fue testigo de un florecimiento artístico en sus territorios. A diferencia de sus predecesores, que eran ávidos coleccionistas y mecenas, Carlos V se limitó a cumplir con el precepto renacentista de proyectar una imagen de poder. Las decisiones artísticas de Carlos V parecen haber sido influenciadas por su corte. A menudo recurrió a pintores extranjeros, contribuyendo a la internacionalización del arte iniciada por los Reyes Católicos. Obras de Italia y Flandes llegaron a España, renovando la pintura española. A su vez, las corrientes arquitectónicas renacentistas triunfan durante el reinado de Carlos V. Las obras más importantes del estilo purista son la catedral de Granada acabada por el arquitecto Diego Siloé y el palacio de Carlos V de Pedro Machuca, también en Granada.
La coronación imperial de Carlos V y sus victorias sucesivas fueron cruciales para forjar una imagen imperial alineada con los cánones del Renacimiento italiano. Intelectuales hispanos como Diego Hurtado de Mendoza, Garcilaso de la Vega y Hernando de Acuña, con formación clásica e italianizante, proporcionaron un marco teórico para entender las numerosas representaciones clásicas de la época, destacando las de Tiziano.
Poesía lírica tradicional y el romancero
La poesía lírica tradicional es un género literario que se ha transmitido de generación en generación de manera oral, reflejando las costumbres, creencias y emociones del pueblo. Según Américo Castro, uno de los elementos principales del hombre renacentista era la idealización del hombre primitivo, aún cercano a Dios y libre de vicios. De esta forma, los autores utilizan motivos que aparecen en la lírica tradicional, con el sello característico de la estética cortesana. Por ello, autores como Antonio Prieto aseguran que la lírica italianizante es descendiente directa de la poesía provenzal. Músicos como Mudarra reproducen cantares tradicionales en sus libros y se recopilan cancioneros, como el de Upsala.
La primera de las dos corrientes importantes durante el “siglo de las innovaciones” fue la lírica popular, materializada en los romanceros. En ellos se recopilaban poemas narrativos que se apoyaban en el metro octosilábico y que versaban sobre una gran variedad de temas. Desde 1508 tiene lugar una difusión impresa del romancero tradicional, como el ‘Cancionero de romances’ de Martín Nucio. Así los poetas del renacimiento rozan, con más o menos intensidad, la esencia de la canción tradicional. Pertenecían a la tradición oral, siendo fijados por escrito en cancioneros como el ‘Cancionero general’ de Hernando del Castillo (este recoge tanto poemas populares como cultos) o en pliegos sueltos.
Lírica italianizante
La segunda corriente importante es la lírica culta, elaborada principalmente en las cortes de Juan II, Enrique IV y los Reyes Católicos durante el siglo XV. Las formas principales eran la canción y el villancico, en las que se trataban temas religiosos, amorosos, morales y satíricos. En este caso, la gran mayoría de textos se han transmitido por escrito y son de autor conocido, siendo los más avalados, por la crítica y la tradición, Juan de Mena, Jorge Manrique y el Marqués de Santillana. La primera muestra de la lírica italianizante en España, es decir, aquella poesía que se caracteriza por la adopción de temas y formas que provienen de autores italianos, se da en 1438 precisamente gracias al Marqués de Santillana (1398-1458). Este militar y poeta español del Prerrenacimiento escribió Los ‘42 sonetos fechos al itálico modo’ (1438-1458). En ellos hay imperfecciones en la rima, en el número de sílabas (hay muchos dodecasílabos) y en la distribución del contenido, aún así, su importancia radica en que es el primer intento de aclimatar el endecasílabo a la métrica española, tan fosilizada en el octosílabo.
Poesía Los ideales del Renacimiento
🏛️ Tópicos clásicos:
1. Beatus ille: Vida campestre (Horacio y Fray Luis de León).
2. Carpe diem: “Coged de vuestra alegre primavera…” (Garcilaso).
3. Locus amoenus: Río Tajo y ninfas (Égloga III).
4. Tempus fugit: Rosas que mueren (Soneto XXIII).
🎭 Garcilaso: Mitología + equilibrio horaciano + naturaleza como espejo.
Los ideales del Renacimiento en la poesía se inspiran profundamente en la tradición clásica grecolatina, rescatando los valores de la Antigüedad para dar forma a un arte renovado y humanista. Poetas como Horacio y Virgilio se erigen como referentes esenciales, cuyas obras proveen los cuatro tópicos que vertebran la creación literaria de los siglos XV y XVI.
El beatus ille, tomado de los versos de Horacio, exalta la vida sencilla y campestre frente a los excesos y corrupciones de la corte. En la poesía renacentista, este ideal se convierte en un canto a la calma y la serenidad del campo, cristalizado en obras de fray Luis de León, quien traduce y adapta los textos horacianos al español.
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«Dichoso el que de pleitos alejadro, / cual los del tiempo antiguo, / labra sus heredades, no obligado / al logrero enemigo», Horacio (65 – 8 a. C.), traducido por fray Luis de León.
El carpe diem, también presente en la obra horaciana, insta a disfrutar el momento presente, consciente de la fugacidad del tiempo. Este tópico se une al tempus fugit, que recuerda la incesante huida del tiempo, una idea que se expande en la poesía renacentista y resuena en autores posteriores como Garcilaso de la Vega y Walt Whitman.
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«Aprovecha el día, pues no confías en el mañana», Horacio, Odas).
El locus amoenus, o lugar idílico, se presenta como un espacio idealizado donde el poeta encuentra paz, refugio y conexión con la naturaleza. Este motivo aparece recurrentemente en la poesía pastoril, donde el paisaje se convierte en un reflejo del estado interior del poeta, como ocurre en los versos de Garcilaso de la Vega.
- «Cerca del Tajo, en soledad amena, / de verdes sauces hay una espesura / toda de hiedra revestida y llena», Garcilaso de la Vega.
Por último, el tempus fugit advierte sobre la inevitabilidad del paso del tiempo, recordando la fragilidad de la existencia humana. Los poetas del Renacimiento exploran esta idea mediante imágenes del reloj de sol y metáforas sobre la brevedad de la vida, evocando la tradición latina para crear una poesía profundamente reflexiva.
- «Cerca del Tajo, en soledad amena, / de verdes sauces hay una espesura / toda de hiedra revestida y llena», Virgilio (70 – 19 a. C.).
En conjunto, estos cuatro tópicos articulan un discurso poético en el que el ser humano, la naturaleza y el tiempo se entrelazan en una visión estética que busca recuperar la esencia del pasado clásico, adaptándola a la sensibilidad humanista del Renacimiento.
Poesía El verso endecasílabo
🎼 Revolución métrica: – Introducido por Boscán (1526) · Perfeccionado por Garcilaso. – 11 sílabas = equilibrio clásico + emoción renacentista. **
🔢 Variantes: – Heroico (2-6-10): “El dulce lamentar de dos pastores”. – Melódico (3-6-10): “¡Oh dulces prendas…!”. – Sáfico (4-6/8-10): “Escrito está en mi alma…”.
🌍 Legado: De Góngora a Machado, el verso que unió tradición y modernidad.
El endecasílabo, introducido en la poesía castellana por Juan Boscán tras su encuentro con el embajador veneciano Andrea Navagero en la Alhambra, se consolidó rápidamente como uno de los versos más emblemáticos de nuestra tradición literaria. Adoptado por Garcilaso de la Vega por el consejo de su amigo Boscán, su estructura métrica permitió expresar tanto la elegancia clásica como la musicalidad moderna.
A lo largo del tiempo, el endecasílabo ha demostrado su versatilidad, adaptándose a distintos ritmos y acentuaciones. Entre sus variantes destacan el enfático, con acentos en la primera, sexta y décima sílabas; el heroico, que acentúa la segunda, sexta y décima sílabas; el melódico, con acentos en la tercera, sexta y décima; y el sáfico, que enfatiza la cuarta, sexta u octava y décima sílabas. Esta diversidad facilita la modulación del tono y el ritmo en función del contenido.
Desde los clásicos del Siglo de Oro hasta los poetas contemporáneos, el endecasílabo ha sido un recurso constante para explorar tanto el lirismo más intimista como la épica más grandilocuente. Su maleabilidad lo convierte en un verso clave para comprender la evolución y las posibilidades expresivas de la poesía en lengua española.
Biografía
El Renacimiento español desemboca una y otra vez en la figura de Garcilaso de la Vega (1491/1503 – 1536) por su importancia en la Historia de la Literatura Española: no fue solo capaz de introducir la poesía renacentista en España, sino que adaptó perfectamente el endecasílabo italiano a la métrica castellana y su innovación en la lírica española tuvo un impacto duradero en las generaciones futuras de escritores.
📍 Infancia y formación renacentista
Garcilaso de la Vega nació en Toledo entre 1491 y 1503, en el seno de una familia noble castellana. Quedó huérfano de padre siendo aún un niño, pero recibió una educación exquisita en la corte de Carlos V, donde encarnó el ideal del hombre renacentista: dominaba el griego, el latín, el italiano y el francés, además de ser diestro en esgrima y tocar el laúd, el arpa y la cítara.
⚔️ Soldado y cortesano de Carlos V
En 1520 se convirtió en continio real (hombre de confianza del emperador). Combatió en:
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Las Germanías (Valencia, 1521).
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La guerra contra Francia (1525).
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La defensa de Viena contra los turcos (1532).
Fue testigo de la coronación de Carlos V como emperador en Bolonia (1530), un evento clave para entender su poesía imperial y clasicista.
💔 Amor y exilio
Su vida estuvo marcada por dos sombras:
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El amor no correspondido por Isabel Freyre (dama portuguesa de la corte), a quien idealizó en sus versos como Elisa.
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El destierro en 1531 por asistir al matrimonio secreto de su sobrino, desobedeciendo al rey. Gracias al duque de Alba, se refugió en Nápoles, donde entró en contacto con poetas italianos y pulió su estilo.
⚡ Muerte trágica
En 1536, durante el asalto a la fortaleza de Le Muy (Provenza), fue el primero en escalar los muros. Una piedra lanzada por el enemigo lo derribó. Murió días después en Niza, asistido por su amigo Francisco de Borja (futuro santo). Tenía solo 33-35 años.
Obra
POETK
La poética de Garcilaso de la Vega
Introducción
Garcilaso de la Vega, figura clave del Renacimiento español, desarrolló una obra breve pero fundamental en la evolución de la poesía castellana. Su producción poética, editada póstumamente por Juan Boscán y publicada en 1543 por la viuda de este, está compuesta por 5 canciones, 3 églogas, 2 elegías, una epístola en verso a Boscán, 38 sonetos y algunas muestras de poesía tradicional.
Primera etapa: Influencia cancioneril y medieval
En su primera etapa, marcada por la influencia del cancionero tradicional y de Ausiàs March, Garcilaso explora la temática amorosa a través de la glosa al villancico «¿Qué testimonios son estos?» (antes de 1531). En esta fase, se advierte la pervivencia del conceptismo del siglo XV y la búsqueda de un estilo aún cercano al de los cancioneros medievales. Antes de 1533, escribe una serie de composiciones octosilábicas (II, III, IV, V y VIII), en las que aborda los celos, el desengaño y la inconstancia del amor. Esta etapa revela el esfuerzo por integrar lo tradicional en la búsqueda de una voz poética propia.
Segunda etapa: La asimilación del petrarquismo
Entre 1526 y 1532, Boscán introduce a Garcilaso en el petrarquismo. Si Petrarca lloraba los desdenes y la muerte de su amada Laura, en Garcilaso se quiso ver la sombra de una mujer que también despreciaba al poeta y fallecía, acentuando hasta lo insoportable su soledad. Sin embargo, estudios recientes sugieren que Isabel Freyre no era realmente la musa del poeta, sino que Elisa, idealizada en sus églogas, podría ser en realidad Beatriz de Sá, esposa de su hermano Pedro Laso de la Vega. Esta asimilación se refleja en las Canciones I, II y IV, y en los Sonetos I, VI, XXVI, XXVII y XXXVII.
Tercera etapa: La estancia en Italia y la madurez poética
La estancia en Italia marca el inicio de una nueva etapa en la evolución poética de Garcilaso. En 1532, escribe las Coplas a Boscán, el Soneto IV y la Canción III, textos que exploran la nostalgia y la pérdida, pero con un tono más sereno y depurado. Entre 1534 y 1535, Garcilaso intensifica su producción con los Sonetos VII, VIII, XII, XV, XIX, XXVIII, XXX y XXXI. En esta etapa, el poeta integra temas clásicos y mitológicos (Orfeo y Eurídice, Apolo y Dafne) para expresar sus conflictos amorosos.
Última etapa: Plenitud poética y síntesis de influencias
En la última etapa (1535-1536), Garcilaso alcanza la plenitud de su estilo con los Sonetos XVI, XXI y XXIV, la Canción V y la Égloga III, donde culmina su meditación sobre la fugacidad del tiempo. Aquí, el «carpe diem» y la evocación de la naturaleza se configuran como símbolos de la transitoriedad y la belleza efímera. El paisaje del Tajo se convierte en un espejo del dolor humano sublimado a través del arte.
La concepción poética de Garcilaso: Mímesis, lenguaje y catarsis
Para Garcilaso, la poesía es, en términos aristotélicos, un reflejo depurado del alma humana que convierte lo vivido en conocimiento universal. La mímesis en su obra no se limita a la representación de la realidad, sino que se convierte en un espacio donde la experiencia emocional se sublima a través del arte. Sus églogas y sonetos construyen paisajes idealizados que, a la vez que evocan la naturaleza, proyectan el drama íntimo del poeta.
El lenguaje poético es la herramienta mediante la cual Garcilaso transforma el dolor en belleza. A través de una estructura medida, compuesta por versos armónicos, paralelismos y metáforas precisas, logra expresar el conflicto entre el deseo y la pérdida. La búsqueda del equilibrio entre forma y contenido refleja el ideal renacentista de armonía, donde lo sensible y lo intelectual se funden.
Finalmente, la poesía para Garcilaso es catarsis: el acto de convertir el sufrimiento personal en una experiencia universal y purificadora. En sus versos, el poeta canaliza el dolor mediante el ritmo y la musicalidad del endecasílabo, permitiendo al lector vivenciar ese proceso de liberación emocional propio del arte trágico. En definitiva, la poesía es para él el arte de eternizar lo efímero, de sublimar la pérdida a través del canto y de encontrar, en la voz poética, un espejo del alma humana.
Su obra influyó profundamente en la poesía española posterior, asentando las bases del petrarquismo en castellano y consolidando un modelo de expresión que fusiona lo clásico con lo íntimo, alcanzando su ideal poético de convertir el sufrimiento en belleza trascendente.
La obra poética de Garcilaso de la Vega fue preparada para su edición, tras su muerte, por su amigo Juan Boscán y publicada en 1543 por la viuda de este. No es extensa y está compuesta por 5 canciones, 3 églogas, 2 elegías, una epístola en verso a Boscán, 38 sonetos y algunas muestras de poesía tradicional.
En su primera etapa (la de la Canción primera y la Canción segunda), quedó patente su plena asimilación del cancionero y de Ausiàs March. La segunda etapa, que se relaciona con su estancia en Italia y dio como fruto la Canción tercera, se caracteriza por el modo en que interiorizó las poética de los autores clásicos. No obstante, iba a ser la tercera la que le terminaría convirtiendo en uno de los nombres irrenunciables de la literatura española. Se aprecia en ella la influencia nítida de Petrarca, y hasta se quiso ver una correspondencia biográfica.
Si el italiano lloraba en sus poemas los desdenes y la muerte de su amada Laura, desde el primer momento se quiso ver en la obra garcilasiana la sombra de una mujer que también despreciaba al poeta y fallecía acentuando hasta lo insoportable el tamaño de su soledad. Recientes estudios consideran, sin embargo, que esa mujer, Isabel Freyre, no era verdaderamente la musa de Garcilaso y que la Elisa a la que tanto idealiza en sus églogas era en realidad Beatriz de Sá, segunda mujer de su propio hermano, Pedro Laso de la Vega.
Según Rafael Lapesa, su poesía se caracteriza por una búsqueda de sí mismo que rompe con su obra anterior una vez que asimila las esencias introspectivas del petrarquismo. En cuanto a la valoración de temas y estilo, es también obvia su deuda con los cancioneros medievales y el conceptismo del siglo XV. El bucolismo se lo debe a Sannazaro, aunque evitó los excesos en cuanto a impresiones visuales y auditivas. Por otro lado, su sensibilidad de emoción contenida se remonta a Horacio, Ovidio, Ariosto y Tasso.
- Antes de 1531. Glosa al villancico «¿Qué testimonios son estos?»
- Antes de 1533. Composiciones octosilábicas II, III, IV, V y VIII.
- 1526 (?) – 1532. Canciones I, II y IV, Sonetos I, VI, XXVI, XXVII y XXXVII.
- 1528-1529. Canción octosilábica «Culpa debe ser quereros».
- Febrero-julio de 1532. Coplas a Boscán. Soneto IV. Canción III.
- 1533 – principios de 1534. Égloga II.
- 12 de octubre de 1534. Epístola a Boscán.
- 1534 – principios de 1535. Égloga I. Soneto XXV. Soneto X (?)
- 1535. Sonetos VII, VIII, XII, XV, XIX, XXVIII, XXX y XXXI.
- Julio-agosto de 1535. Sonetos XXXIII y XXXV.
- Agosto-octubre de 1535. Elegías I y II.
- 1533-1536. Sonetos XVI, XXI y XXIV. Canción V. Sonetos XI, XIII, XXIII y XXIX.
- 1536. Égloga III.
*Edición de Navarro Tomés (Clasicos Caste- llanos, tomo III).
GARCILASO DE LA VEGA Coplas
Texto en construcción…
Copla I
Villancico del mismo Boscán y de Garcilaso de la Vega a don Luis de la Cueva porque bailó en palacio con una dama que llamaban La Pájara
¿Qué testimonios son éstos
que le queréis levantar?
¡Que no fue sino bailar!
Garcilaso
¿Ésta tienen por gran culpa?
No lo fue, a mi parecer,
porque tiene por desculpa
que lo hizo la mujer.
Ésta le hizo caer
mucho más que no el saltar
que hizo con el bailar.
Diario de lectura Copla I
Diario de lectura de km0.cool/poética
Análisis de la Copla I de Garcilaso de la Vega
1. Análisis literario: La glosa como juego cortesano
Esta Copla I pertenece al género de la glosa colectiva, práctica típica de la poesía de cancionero donde varios poetas improvisaban variaciones sobre un tema. Garcilaso y Boscán emplean aquí el villancico (forma popular de estribillo y mudanza) con un tono burlesco, pero tras su aparente sencillez se esconden recursos clave:
-
Doble sentido: El verbo “caer” (tropezar/pecar) revela el dominio del equívoco culto.
-
Ironía cortesana: La defensa fingida de don Luis (“no lo fue, a mi parecer”) en realidad acentúa la crítica.
-
Economía verbal: En solo 7 versos condensa una anécdota con carga moral.
Este texto temprano (1526-27) anticipa técnicas que Garcilaso depurará en sonetos y églogas: la ambigüedad controlada y el humor como crítica social.
2. Contexto social: La Pájara y la moralidad en la corte
El epíteto “La Pájara” no era inocente: en el siglo XVI, el término aludía a mujeres de dudosa reputación, incluso prostitutas (Morros, 1995). La copla, pues, no solo describe un baile, sino un escándalo palaciego:
-
Don Luis de la Cueva (capitán de la Guardia de Carlos I) se ve envuelto en un acto socialmente reprobable.
-
La culpa desplazada a la mujer (“que lo hizo la mujer”) refleja la misoginia de la época: el hombre es “arrastrado” por la supuesta liviandad femenina.
-
El poema funciona como chisme literario: prueba cómo la poesía cortesana era vehículo de burla, rumor y control moral.
3. Síntesis: lugar en la obra garcilasiana
Esta copla, aunque menor, es un microcosmos de la poética de Garcilaso:
-
Transición estilística: Muestra su fase de influencia cancioneril antes del giro petrarquista.
-
Temas recurrentes: El desliz amoroso (aquí tratado con humor) reaparecerá en sonetos como el XXIX (“Pasando el mar Leandro el animoso…”), ya con tono trágico.
-
Innovación formal: Aprovecha estructuras populares (villancico) para fines cultos, prefigurando su síntesis renacentista de tradición y originalidad.
-
No es obra cumbre, pero sí una pieza clave para entender su evolución: el mismo poeta que aquí bromea sobre caídas físicas y morales, luego convertirá la caída emocional en arte sublime.
Reflexión final para el diario: Garcilaso aprendió a tallar diamantes en lo áspero: esta copla burlona es la piedra bruta que precedió al pulido de sus sonetos. ¿No es acaso la misma técnica —la ambigüedad, el doble filo de las palabras— la que luego usaría para hablar de amor, muerte y eternidad?
Análisis de la Copla VIII de Garcilaso de la Vega
1. Análisis literario: Paradojas del amor cortés
Esta Copla VIII (pre-1533) es un villancico que condensa con precisión el ideal contradictorio del amor cortés:
-
Estructura circular: El estribillo (“Nadi puede ser dichoso…”) enmarca la paradoja central, creando un efecto de obsesión lírica.
-
Juego conceptual: El verso “en ese punto se quita” captura el instante efímero donde la dicha se convierte en desesperación (influencia de la poesía de cancionero, como señala Rivers).
-
Economía expresiva: En solo 9 versos, Garcilaso sintetiza el tópico de la amada inalcanzable, usando un lenguaje aparentemente simple pero cargado de ironía trágica.
Técnicas destacables:
-
Antítesis (dichoso/desdichado).
-
Encabalgamiento abrupto (“se quita / que se piensa mereceros”) para subrayar el desengaño.
2. Contexto social: El amor como conflicto renacentista
El poema refleja la tensión entre tradición y modernidad en la corte del siglo XVI:
-
Amor cortés vs. realidad: La idealización de la dama (“gloria de veros”) choca con la crudeza de su indiferencia, típica del Cancionero general (1511) pero ya teñida de escepticismo renacentista.
-
La mujer como fuerza cósmica: La amada no es un personaje, sino un poder abstracto que decide destinos (“sino que os haya mirado”), lo que revela la influencia del neoplatonismo.
-
Audacia lingüística: El arcaísmo “nadi” (por nadie) y la sintaxis condensada (“sino que” = a menos que) muestran a un Garcilaso que aún experimenta con registros, antes de depurar su estilo italianizante.
3. Síntesis: El germen de su poética madura
Esta copla, aunque temprana, es clave para entender su evolución:
-
Puente entre tradición y renovación: Usa formas medievales (villancico) pero introduce la psicología del deseo que desarrollará en sonetos como el XI (“Hermosas ninfas…”).
-
Tema fundacional: La dicha/desdicha amorosa reaparecerá en su Égloga I (“¡Oh más dura que mármol…!”), ahora con voz pastoral.
-
Preparación del petrarquismo: La paradoja aquí expresada con crudeza se sublimará luego en imágenes mitológicas (Dafne, Orfeo).
Reflexión final para el diario: ¿No es esta copla un mapa en miniatura del territorio garcilasiano? La misma paradoja que aquí se encierra en un villancico —amar es gozar sufriendo— luego se expandirá en sus églogas como un río que arrastra mitos, quejas y endecasílabos perfectos. ¿Acaso no era ya todo Garcilaso, incluso en lo aparentemente menor?
Copla VIII
Villancico de Garcilaso
Nadi puede ser dichoso,
señora, ni desdichado,
sino que os haya mirado.
Porque la gloria de veros
en ese punto se quita
que se piensa mereceros;
así que, sin conoceros,
nadi puede ser dichoso,
señora, ni desdichado,
sino que os haya mirado.
Diario de lectura Copla VIII
Diario de lectura de km0.cool/poética
Análisis de la Copla VIII de Garcilaso de la Vega
1. Análisis literario: Paradojas del amor cortés
Esta Copla VIII (pre-1533) es un villancico que condensa con precisión el ideal contradictorio del amor cortés:
-
Estructura circular: El estribillo (“Nadi puede ser dichoso…”) enmarca la paradoja central, creando un efecto de obsesión lírica.
-
Juego conceptual: El verso “en ese punto se quita” captura el instante efímero donde la dicha se convierte en desesperación (influencia de la poesía de cancionero, como señala Rivers).
-
Economía expresiva: En solo 9 versos, Garcilaso sintetiza el tópico de la amada inalcanzable, usando un lenguaje aparentemente simple pero cargado de ironía trágica.
Técnicas destacables:
-
Antítesis (dichoso/desdichado).
-
Encabalgamiento abrupto (“se quita / que se piensa mereceros”) para subrayar el desengaño.
2. Contexto social: El amor como conflicto renacentista
El poema refleja la tensión entre tradición y modernidad en la corte del siglo XVI:
-
Amor cortés vs. realidad: La idealización de la dama (“gloria de veros”) choca con la crudeza de su indiferencia, típica del Cancionero general (1511) pero ya teñida de escepticismo renacentista.
-
La mujer como fuerza cósmica: La amada no es un personaje, sino un poder abstracto que decide destinos (“sino que os haya mirado”), lo que revela la influencia del neoplatonismo.
-
Audacia lingüística: El arcaísmo “nadi” (por nadie) y la sintaxis condensada (“sino que” = a menos que) muestran a un Garcilaso que aún experimenta con registros, antes de depurar su estilo italianizante.
3. Síntesis: El germen de su poética madura
Esta copla, aunque temprana, es clave para entender su evolución:
-
Puente entre tradición y renovación: Usa formas medievales (villancico) pero introduce la psicología del deseo que desarrollará en sonetos como el XI (“Hermosas ninfas…”).
-
Tema fundacional: La dicha/desdicha amorosa reaparecerá en su Égloga I (“¡Oh más dura que mármol…!”), ahora con voz pastoral.
-
Preparación del petrarquismo: La paradoja aquí expresada con crudeza se sublimará luego en imágenes mitológicas (Dafne, Orfeo).
Reflexión final para el diario: ¿No es esta copla un mapa en miniatura del territorio garcilasiano? La misma paradoja que aquí se encierra en un villancico —amar es gozar sufriendo— luego se expandirá en sus églogas como un río que arrastra mitos, quejas y endecasílabos perfectos. ¿Acaso no era ya todo Garcilaso, incluso en lo aparentemente menor?
GARCILASO DE LA VEGA Sonetos
Los sonetos de Garcilaso suponen la definitiva aclimatación de la métrica italiana al castellano. Estos cuadros mitológicos son en su mayoría de índole amorosa: algunos próximos todavía al estilo del cancionero, otros ya imbuidos de la nueva sensibilidad renacentista del amante sometido a un dolor intenso. En estos textos se evidencia una relación intensa entre un pasado feliz y el presente doloroso, que nos muestra la fugacidad del placer. En esta misma línea pueden considerarse sus canciones. Las elegías por su parte presentan una influencia directa de los clásicos y una actitud estoica ante las desgracias.
Diario de lectura de km0.cool/poética
Análisis del Soneto I de Garcilaso de la Vega
1. Contexto y datación
-
Fecha probable: 1526-1532 (etapa temprana, según Lapesa).
-
Influencias clave:
-
Petrarca (Canzoniere CCXCVIII): giro retrospectivo del caminante.
-
Tradición cristiana (San Agustín) y clásica (Ovidio, Propercio).
-
Resonancias de Jorge Manrique (Coplas).
-
-
Legado: Modelo de Rechenschaftssonett (“soneto de rendición de cuentas”), imitado por Lope, Quevedo y Camões.
2. Análisis textual: recursos y motivos poéticos
A. Estructura y métrica:
-
Forma: Soneto ABBA ABBA CDC DCD (endecasílabos con encabalgamientos fluidos).
-
Dualidad temporal:
-
Cuartetos: Pasado (error) vs. presente (dolor).
-
Tercetos: Futuro fatalista (“Yo acabaré”).
-
B. Recursos literarios:
-
Políptoton: “acabo / acabar / acabarme” (v. 7-10) → refuerza la obsesión con la muerte.
-
Anfibología:
-
“Pasos” (v. 2): literal (camino) y metafórico (acciones caballerescas).
-
“Cuidado” (v. 8): amoroso y existencial.
-
-
Antítesis: “mayor mal” (v. 4) vs. “a tanto mal” (v. 6).
-
Hipérbaton: “y a ver los pasos por dó me han traído” (v. 2) → énfasis en el desvío.
C. Motivos clave:
-
Camino como vida: Metáfora medieval (Ausiàs March) con tono petrarquista.
-
Amor = muerte:
-
“Entregué sin arte” (v. 9): honestidad que condena.
-
Voluntad de la amada como verdugo (v. 12-14).
-
-
Fugacidad: Eco del “tempus fugit” clásico, pero con angustia cristiana.
3. Contexto social y biográfico
-
Estado dual:
-
Público (militar cortesano): insatisfacción (v. 1, “mi estado”).
-
Privado (amoroso): entrega fatal (v. 9-11).
-
-
Misoginia cortesana: La amada como poder absoluto (“sabrá perderme“), típica del cancionero pero con intensidad renacentista.
4. Síntesis: lugar en la obra garcilasiana
-
Transición estilística: Combina:
-
Formas cancioneriles (juegos de palabras, amor-muerte).
-
Nueva sensibilidad renacentista (introspección, influjo clásico).
-
-
Tema fundacional: El arrepentimiento aquí es personal; en sonetos posteriores (ej. XXIII) será universal (carpe diem).
-
Innovación métrica: Primer soneto español que logra la naturalidad italianizante sin perder hondura conceptual.
Reflexión final para el diario: Este soneto es un laberinto de espejos: el Garcilaso cortesano mira atrás y solo ve errores; el poeta nuevo, en cambio, adelanta ya —entre juegos de palabras— el mito de Orfeo que cantará después. ¿No es acaso el mismo grito, solo que aquí aún sin lira?
Análisis del Soneto V de Garcilaso de la Vega
1. Contexto biográfico: Entre la corte y el alma
Escrito probablemente entre 1526-1532 (etapa de plenitud creativa), este soneto refleja:
-
Doble vida de Garcilaso: Soldado de Carlos V / poeta petrarquista.
-
Posible inspiradora: Isabel Freyre (aunque el poema despersonaliza a la amada, convirtiéndola en arquetipo).
-
Paradoja: Mientras servía a un imperio terrenal, construía un imperio lírico donde el amor era religión.
2. Claves filosóficas: Neoplatonismo y fe amorosa
El soneto es un tratado de metafísica amorosa en 14 versos:
-
Influencia de Ficino:
-
“Escrito está en mi alma vuestro gesto” (v.1) = teoría de las ideas-imágenes grabadas en el alma (cf. De amore).
-
-
Fe vs. razón:
-
“De tanto bien lo que no entiendo creo” (v.7) = amor como dogma (parodia de la teología cristiana).
-
-
Hábito del alma (v.11):
-
Término técnico de la escolástica (= “vestido” alma-cuerpo), usado aquí para erotizar la filosofía.
-
Ironía renacentista: El poeta sabía que estas teorías eran metáforas, pero juega a tomarlas al pie de la letra.
3. Mitología oculta: Eros escritor
-
Apolo y las Musas:
-
La amada es musa-calígrafa (“vos sola lo escribistes”, v.3), invirtiendo el rol tradicional (el poeta escribe, no la inspiradora).
-
-
Pigmalión:
-
“Mi alma os ha cortado a su medida” (v.10) = no esculpe mármol, sino alma.
-
-
Orfeo:
-
“Por vos he de morir y por vos muero” (v.14) prefigura su muerte por amor en Égloga III.
-
4. Análisis textual: Recursos y estructura
A. Motivos centrales:
-
Escritura divina:
-
Campo semántico de lo escrito (v.1-4) vs. lo vivido (v.9-14).
-
-
Paradojas:
-
“Tan solo que aun de vos me guardo en esto” (v.4) = necesita alejarse para conservar la imagen.
-
“Por vos nací […] por vos muero” (v.13-14) = vida y muerte como acto de amor.
-
B. Intertextualidad:
| Verso | Fuente | Transformación |
|---|---|---|
| “Escrito está…” (v.1) | Bembo (“O volto… impresso”) | Eleva lo sensual a metafísico. |
| “hábito del alma” (v.11) | Ficino (“spiritus phantasticus”) | Erotiza el concepto filosófico. |
| “Por vos nací…” (v.13) | Ausiàs March (“Per vós sóc hom”) | Universaliza lo personal. |
5. Síntesis: El soneto como sacramento
Este poema no habla de amor: lo realiza como acto litúrgico:
-
Consagración (v.1-8): La amada es verbo hecho carne.
-
Comunión (v.9-14): El poeta se vuelve hostia (“por vos muero”).
Reflexión para el diario: ¿Qué es más moderno: que Garcilaso crea en estas metáforas, o que las use sabiendo que son mentiras hermosas? Tal vez la respuesta esté en el verso 7: «lo que no entiendo creo». La poesía, al fin, es fe sin dogma: un juego serio donde lo efímero —un rostro, un deseo— se graba en mármol verbal.
Análisis del Soneto VI de Garcilaso de la Vega
1. Contexto y datación
-
Fecha probable: 1529-1532 (coetáneo al Soneto I y Canción IV).
-
Influencias clave:
-
Petrarca (Canzoniere CCLXIV): “cerco del viver mio novo consigilio” → “busco de mi vivir consejo nuevo” (v. 6).
-
Ausiàs March: Motivo del “camí perdut” (camino erróneo) y violencia del amor (“por los cabellos soy tornado”).
-
Dante: Uso de “tirare” (arrastrar) para el impulso amoroso (Rime L, LIX).
-
Ovidio (Metamorfosis VII): Conflicto entre razón y pasión.
-
-
Tradición clásica: Eco del adagio “ad astra per aspera” (hacia las estrellas por caminos ásperos), pero invertido: aquí no hay ascenso, sino parálisis existencial.
-
Contexto biográfico (1529-1532): El soldado en crisis
Garcilaso escribe este soneto durante un periodo crítico:
-
Exilio en Danubio (1529): Tras asistir sin permiso a la boda de su sobrino, Carlos V lo destierra. El “áspero camino” (v.1) podría aludir a su destierro físico y moral.
-
Crisis identitaria: Militar fracasado (“errado proceso de mis años”, v.10) vs. poeta en ciernes.
-
Muerte de Isabel Freyre (h.1533): Aunque el poema no menciona amor, el “miedo” (v.2) y la “muerte al lado” (v.5) anticipan su duelo lírico posterior.
-
2. Análisis textual: recursos y motivos poéticos
A. Estructura y métrica:
-
Forma: Soneto ABBA ABBA CDC DCD (endecasílabos con encabalgamientos abruptos).
-
Movimiento dramático:
-
Cuartetos: Parálisis física y moral (“no me muevo”, v. 2).
-
Tercetos: Autorreflexión sobre el tiempo perdido (“errado proceso de mis años”, v. 10).
-
B. Recursos literarios:
-
Anáfora: “Por…” (v. 1, 9, 12) → estructura el poema como confesión escalonada.
-
Oxímoron: “consejo nuevo” (v. 6) vs. “costumbre mala” (v. 8) → contradicción del yo poético.
-
Hipérbole: “por los cabellos soy tornado” (v. 4) → fuerza brutal del destino.
-
Polisemia: “remedio” (v. 14) → cura física y espiritual, pero también “olvido” (juego con “descuidar”).
C. Motivos clave:
-
Camino como alegoría:
-
“Ásperos caminos” (v. 1) ≠ tradición épica (heroísmo), sino fracaso personal.
-
Inmovilidad final: El poeta llega a un “lugar” (v. 2) que es callejón sin salida.
-
-
Tiempo y culpa:
-
“Errado proceso de mis años” (v. 10) → vida como error acumulado (infl. Sannazaro).
-
Fatalismo: “mi hado” (v. 8) y “cierta muerte” (v. 13) eliminan la esperanza.
-
-
Petrarquismo oscuro:
-
Ausencia de amada: el dolor es abstracto, no amoroso (vs. Soneto I).
-
Eco del “Video meliora proboque, deteriora sequor” (Ovidio) → “conozco el mejor y el peor apruebo” (v. 7).
-
3. Intertextualidad: Diálogo con fuentes
| Verso de Garcilaso | Fuente | Transformación |
|---|---|---|
| “Por ásperos caminos…” (v. 1) | “Ad astra per aspera” (latín) | Inversión: no hay gloria, sino desolación. |
| “por los cabellos soy tornado” (v. 4) | Ausiàs March (“tirat-me pels cabells”) | Intensificación: violencia física → moral. |
| “busco de mi vivir consejo nuevo” (v. 6) | Petrarca (“cerco… novo consigilio”) | Secularización: no busca a Dios, sino supervivencia. |
| “el breve tiempo mío” (v. 9) | Jorge Manrique (“nuestras vidas son los ríos”) | Individualización: no es topos, sino lamento íntimo. |
4. Síntesis: Originalidad en la tradición
Este soneto subvierte sus fuentes:
-
Del petrarquismo: Toma la estructura, pero elimina a la amada (el dolor es existencial).
-
Del estoicismo clásico: Usa el “conócete a ti mismo”, pero niega la redención (“descuidar de mi remedio”).
-
Del cancionero: Mantiene el léxico amoroso (“remedio”, “daños”), pero lo vuelve metafísico.
5. Claves filosóficas: Estoicismo desesperanzado
El soneto deforma tres principios clásicos:
-
“Conócete a ti mismo” (Delfos):
-
“Conozco el mejor y el peor apruebo” (v.7) es una confesión de impotencia, no de sabiduría.
-
-
“Ama fati” (amor al destino, estoicos):
-
Garcilaso lo invierte: “por costumbre mala o por mi hado” (v.8) suena a resignación amarga.
-
-
“Carpe diem” (Horacio):
-
Aquí el tiempo es enemigo: “el breve tiempo mío” (v.9) no invita a gozar, sino a desesperar.
-
Fuente clave: Séneca (De brevitate vitae), pero sin su consuelo metafísico.
6. Mitología subyacente: Tántalo y Sísifo
-
Tántalo (castigado a no alcanzar el agua):
-
“Conozco el mejor [agua] y el peor [sequía] apruebo” (v.7).
-
-
Sísifo (condenado a repetir su error):
-
“Si a mudarme… pruebo / allí por los cabellos soy tornado” (v.3-4).
-
-
Originalidad: Garcilaso humaniza los mitos: sus tormentos no son castigo divino, sino elección propia.
Reflexión final:
Garcilaso no camina: está atrapado en su propio laberinto. Los ásperos caminos no llevan a las estrellas, sino al vacío. ¿No es este el primer soneto moderno en español: aquel donde el yo descubre que, tras errar, solo queda mirarse a sí mismo?
Análisis del Soneto X de Garcilaso de la Vega
1. Contexto biográfico: Duelo y creación (1533-1534)
-
Posible elegía a Isabel Freyre: Aunque no hay evidencia textual explícita, la crítica señala este soneto como reflejo de su dolor tras su muerte (Keniston, Navarro Tomás).
-
Paradoja creativa: Las “dulces prendas” (¿cabellos? ¿versos?) son reliquias que matan y alimentan al poeta.
-
Destierro interior: Coincide con su exilio en Nápoles (1533), donde el duelo se vuelve materia poética.
2. Claves filosóficas: El tiempo como verdugo
El soneto deforma tres ideas clásicas:
-
“Tempus fugit” (Virgilio):
-
“Pues en una hora junto me llevastes / todo el bien” (v.9-10) = el tiempo no vuela, roba.
-
-
“Carpe diem” (Horacio):
-
Aquí los momentos felices (“términos”, v.10) son trampa para un dolor mayor.
-
-
Teodicea amorosa:
-
“¿Quién me dijera…?” (v.5-8) = pregunta retórica que cuestiona la justicia divina en el amor.
-
3. Mitología subyacente: Dido y Orfeo
-
Dido (Eneida IV):
-
“Dulces exuviae…” (prendas de Eneas) → Garcilaso llora prendas-mortaja (v.1-4).
-
-
Orfeo:
-
“Memoria mía” (v.3) como Eurídice mental: al evocarla, la pierde de nuevo.
-
-
Originalidad: Mitos fragmentados (no hay epopeya, solo reliquias).
4. Análisis textual: Recursos y estructura
A. Motivos centrales:
-
Oxímoron dramático:
-
“dulces prendas / por mi mal” (v.1) = el amor como veneno memorioso.
-
“alegres cuando Dios quería” (v.2) = felicidad condicional y revocable.
-
-
Tiempo invertido:
-
Pasado (“términos”, v.10) vs. presente (“hora”, v.9) = el dolor es instantáneo, el gozo lento.
-
B. Intertextualidad:
| Verso | Fuente | Transformación |
|---|---|---|
| “Oh dulces prendas…” | Virgilio (Eneida IV) | Humaniza el lamento: Dido llora a Eneas; Garcilaso, a sí mismo. |
| “con mi muerte conjuradas” | Petrarca (Canzoniere CCCXXIX) | Seculariza las estrellas (“stelle congiurate”) en objetos cotidianos. |
| “llevame junto el mal” | Ausiàs March (“port-me la mort”) | Desdiviniza la muerte: no es destino, es castigo arbitrario. |
5. Síntesis: La paradoja del objeto poético
Este soneto no es elegía, sino anti-elegía:
-
Las prendas no consuelan: Son armas de la memoria (“conjuradas”, v.4).
-
El poeta no llora a la amada: Llora su propia incapacidad para sobrevivir al recuerdo.
-
La forma soneto (perfecta) vs. caos interior: Los endecasílabos contienen (y delatan) el desgarro.
Reflexión para el diario: Garcilaso no llora a Isabel: llora las palabras que la nombran. Las dulces prendas son alfileres clavados en el verso, y cada endecasílabo, un ataúd de mármol para un dolor que no cabe en él. ¿No es este el verdadero carpe diem: tallar en el poema la herida que el tiempo no cerrará?
Soneto I
Cuando me paro a contemplar mi estado
y a ver los pasos por dó me han traído,
hallo, según por do anduve perdido,
que a mayor mal pudiera haber llegado;
mas cuando del camino estó olvidado,
a tanto mal no sé por dó he venido;
sé que me acabo, y más he yo sentido
ver acabar comigo mi cuidado.
Yo acabaré, que me entregué sin arte
a quien sabrá perderme y acabarme
si quisïere, y aún sabrá querello;
que pues mi voluntad puede matarme,
la suya, que no es tanto de mi parte,
pudiendo, ¿qué hará sino hacello?»
Diario de lectura Soneto I
Diario de lectura de km0.cool/poética
Análisis del Soneto I de Garcilaso de la Vega
1. Contexto y datación
-
Fecha probable: 1526-1532 (etapa temprana, según Lapesa).
-
Influencias clave:
-
Petrarca (Canzoniere CCXCVIII): giro retrospectivo del caminante.
-
Tradición cristiana (San Agustín) y clásica (Ovidio, Propercio).
-
Resonancias de Jorge Manrique (Coplas).
-
-
Legado: Modelo de Rechenschaftssonett (“soneto de rendición de cuentas”), imitado por Lope, Quevedo y Camões.
2. Análisis textual: recursos y motivos poéticos
A. Estructura y métrica:
-
Forma: Soneto ABBA ABBA CDC DCD (endecasílabos con encabalgamientos fluidos).
-
Dualidad temporal:
-
Cuartetos: Pasado (error) vs. presente (dolor).
-
Tercetos: Futuro fatalista (“Yo acabaré”).
-
B. Recursos literarios:
-
Políptoton: “acabo / acabar / acabarme” (v. 7-10) → refuerza la obsesión con la muerte.
-
Anfibología:
-
“Pasos” (v. 2): literal (camino) y metafórico (acciones caballerescas).
-
“Cuidado” (v. 8): amoroso y existencial.
-
-
Antítesis: “mayor mal” (v. 4) vs. “a tanto mal” (v. 6).
-
Hipérbaton: “y a ver los pasos por dó me han traído” (v. 2) → énfasis en el desvío.
C. Motivos clave:
-
Camino como vida: Metáfora medieval (Ausiàs March) con tono petrarquista.
-
Amor = muerte:
-
“Entregué sin arte” (v. 9): honestidad que condena.
-
Voluntad de la amada como verdugo (v. 12-14).
-
-
Fugacidad: Eco del “tempus fugit” clásico, pero con angustia cristiana.
3. Contexto social y biográfico
-
Estado dual:
-
Público (militar cortesano): insatisfacción (v. 1, “mi estado”).
-
Privado (amoroso): entrega fatal (v. 9-11).
-
-
Misoginia cortesana: La amada como poder absoluto (“sabrá perderme“), típica del cancionero pero con intensidad renacentista.
4. Síntesis: lugar en la obra garcilasiana
-
Transición estilística: Combina:
-
Formas cancioneriles (juegos de palabras, amor-muerte).
-
Nueva sensibilidad renacentista (introspección, influjo clásico).
-
-
Tema fundacional: El arrepentimiento aquí es personal; en sonetos posteriores (ej. XXIII) será universal (carpe diem).
-
Innovación métrica: Primer soneto español que logra la naturalidad italianizante sin perder hondura conceptual.
Reflexión final para el diario: Este soneto es un laberinto de espejos: el Garcilaso cortesano mira atrás y solo ve errores; el poeta nuevo, en cambio, adelanta ya —entre juegos de palabras— el mito de Orfeo que cantará después. ¿No es acaso el mismo grito, solo que aquí aún sin lira?
Soneto V
Escrito está en mi alma vuestro gesto
y cuanto yo escribir de vos deseo:
vos sola lo escribistes; yo lo leo,
tan solo que aun de vos me guardo en esto.
En esto estoy y estaré siempre puesto,
que aunque no cabe en mí cuanto en vos veo,
de tanto bien lo que no entiendo creo,
tomando ya la fe por presupuesto.
Yo no nascí sino para quereros;
mi alma os ha cortado a su medida;
por hábito del alma misma os quiero;
cuanto tengo confieso yo deberos;
por vos nací, por vos tengo la vida,
por vos he de morir y por vos muero.
Diario de lectura Soneto V
Diario de lectura de km0.cool/poética
Análisis del Soneto V de Garcilaso de la Vega
1. Contexto biográfico: Entre la corte y el alma
Escrito probablemente entre 1526-1532 (etapa de plenitud creativa), este soneto refleja:
-
Doble vida de Garcilaso: Soldado de Carlos V / poeta petrarquista.
-
Posible inspiradora: Isabel Freyre (aunque el poema despersonaliza a la amada, convirtiéndola en arquetipo).
-
Paradoja: Mientras servía a un imperio terrenal, construía un imperio lírico donde el amor era religión.
2. Claves filosóficas: Neoplatonismo y fe amorosa
El soneto es un tratado de metafísica amorosa en 14 versos:
-
Influencia de Ficino:
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“Escrito está en mi alma vuestro gesto” (v.1) = teoría de las ideas-imágenes grabadas en el alma (cf. De amore).
-
-
Fe vs. razón:
-
“De tanto bien lo que no entiendo creo” (v.7) = amor como dogma (parodia de la teología cristiana).
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-
Hábito del alma (v.11):
-
Término técnico de la escolástica (= “vestido” alma-cuerpo), usado aquí para erotizar la filosofía.
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Ironía renacentista: El poeta sabía que estas teorías eran metáforas, pero juega a tomarlas al pie de la letra.
3. Mitología oculta: Eros escritor
-
Apolo y las Musas:
-
La amada es musa-calígrafa (“vos sola lo escribistes”, v.3), invirtiendo el rol tradicional (el poeta escribe, no la inspiradora).
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-
Pigmalión:
-
“Mi alma os ha cortado a su medida” (v.10) = no esculpe mármol, sino alma.
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Orfeo:
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“Por vos he de morir y por vos muero” (v.14) prefigura su muerte por amor en Égloga III.
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4. Análisis textual: Recursos y estructura
A. Motivos centrales:
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Escritura divina:
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Campo semántico de lo escrito (v.1-4) vs. lo vivido (v.9-14).
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Paradojas:
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“Tan solo que aun de vos me guardo en esto” (v.4) = necesita alejarse para conservar la imagen.
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“Por vos nací […] por vos muero” (v.13-14) = vida y muerte como acto de amor.
-
B. Intertextualidad:
| Verso | Fuente | Transformación |
|---|---|---|
| “Escrito está…” (v.1) | Bembo (“O volto… impresso”) | Eleva lo sensual a metafísico. |
| “hábito del alma” (v.11) | Ficino (“spiritus phantasticus”) | Erotiza el concepto filosófico. |
| “Por vos nací…” (v.13) | Ausiàs March (“Per vós sóc hom”) | Universaliza lo personal. |
5. Síntesis: El soneto como sacramento
Este poema no habla de amor: lo realiza como acto litúrgico:
-
Consagración (v.1-8): La amada es verbo hecho carne.
-
Comunión (v.9-14): El poeta se vuelve hostia (“por vos muero”).
Reflexión para el diario: ¿Qué es más moderno: que Garcilaso crea en estas metáforas, o que las use sabiendo que son mentiras hermosas? Tal vez la respuesta esté en el verso 7: «lo que no entiendo creo». La poesía, al fin, es fe sin dogma: un juego serio donde lo efímero —un rostro, un deseo— se graba en mármol verbal.
Soneto VI
Por ásperos caminos he llegado
a parte que de miedo no me muevo,
y si a mudarme a dar un paso pruebo,
allí por los cabellos soy tornado;
mas tal estoy que, con la muerte al lado,
busco de mi vivir consejo nuevo,
y conozco el mejor y el peor apruebo,
o por costumbre mala o por mi hado.
Por otra parte, el breve tiempo mío
y el errado proceso de mis años,
en su primer principio y en su medio,
mi inclinación, con quien ya no porfío,
la cierta muerte, fin de tantos daños,
me hacen descuidar de mi remedio.
Diario de lectura Soneto VI
Análisis del Soneto VI de Garcilaso de la Vega
1. Contexto y datación
-
Fecha probable: 1529-1532 (coetáneo al Soneto I y Canción IV).
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Influencias clave:
-
Petrarca (Canzoniere CCLXIV): “cerco del viver mio novo consigilio” → “busco de mi vivir consejo nuevo” (v. 6).
-
Ausiàs March: Motivo del “camí perdut” (camino erróneo) y violencia del amor (“por los cabellos soy tornado”).
-
Dante: Uso de “tirare” (arrastrar) para el impulso amoroso (Rime L, LIX).
-
Ovidio (Metamorfosis VII): Conflicto entre razón y pasión.
-
-
Tradición clásica: Eco del adagio “ad astra per aspera” (hacia las estrellas por caminos ásperos), pero invertido: aquí no hay ascenso, sino parálisis existencial.
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Contexto biográfico (1529-1532): El soldado en crisis
Garcilaso escribe este soneto durante un periodo crítico:
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Exilio en Danubio (1529): Tras asistir sin permiso a la boda de su sobrino, Carlos V lo destierra. El “áspero camino” (v.1) podría aludir a su destierro físico y moral.
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Crisis identitaria: Militar fracasado (“errado proceso de mis años”, v.10) vs. poeta en ciernes.
-
Muerte de Isabel Freyre (h.1533): Aunque el poema no menciona amor, el “miedo” (v.2) y la “muerte al lado” (v.5) anticipan su duelo lírico posterior.
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2. Análisis textual: recursos y motivos poéticos
A. Estructura y métrica:
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Forma: Soneto ABBA ABBA CDC DCD (endecasílabos con encabalgamientos abruptos).
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Movimiento dramático:
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Cuartetos: Parálisis física y moral (“no me muevo”, v. 2).
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Tercetos: Autorreflexión sobre el tiempo perdido (“errado proceso de mis años”, v. 10).
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B. Recursos literarios:
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Anáfora: “Por…” (v. 1, 9, 12) → estructura el poema como confesión escalonada.
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Oxímoron: “consejo nuevo” (v. 6) vs. “costumbre mala” (v. 8) → contradicción del yo poético.
-
Hipérbole: “por los cabellos soy tornado” (v. 4) → fuerza brutal del destino.
-
Polisemia: “remedio” (v. 14) → cura física y espiritual, pero también “olvido” (juego con “descuidar”).
C. Motivos clave:
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Camino como alegoría:
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“Ásperos caminos” (v. 1) ≠ tradición épica (heroísmo), sino fracaso personal.
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Inmovilidad final: El poeta llega a un “lugar” (v. 2) que es callejón sin salida.
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-
Tiempo y culpa:
-
“Errado proceso de mis años” (v. 10) → vida como error acumulado (infl. Sannazaro).
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Fatalismo: “mi hado” (v. 8) y “cierta muerte” (v. 13) eliminan la esperanza.
-
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Petrarquismo oscuro:
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Ausencia de amada: el dolor es abstracto, no amoroso (vs. Soneto I).
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Eco del “Video meliora proboque, deteriora sequor” (Ovidio) → “conozco el mejor y el peor apruebo” (v. 7).
-
3. Intertextualidad: Diálogo con fuentes
| Verso de Garcilaso | Fuente | Transformación |
|---|---|---|
| “Por ásperos caminos…” (v. 1) | “Ad astra per aspera” (latín) | Inversión: no hay gloria, sino desolación. |
| “por los cabellos soy tornado” (v. 4) | Ausiàs March (“tirat-me pels cabells”) | Intensificación: violencia física → moral. |
| “busco de mi vivir consejo nuevo” (v. 6) | Petrarca (“cerco… novo consigilio”) | Secularización: no busca a Dios, sino supervivencia. |
| “el breve tiempo mío” (v. 9) | Jorge Manrique (“nuestras vidas son los ríos”) | Individualización: no es topos, sino lamento íntimo. |
4. Síntesis: Originalidad en la tradición
Este soneto subvierte sus fuentes:
-
Del petrarquismo: Toma la estructura, pero elimina a la amada (el dolor es existencial).
-
Del estoicismo clásico: Usa el “conócete a ti mismo”, pero niega la redención (“descuidar de mi remedio”).
-
Del cancionero: Mantiene el léxico amoroso (“remedio”, “daños”), pero lo vuelve metafísico.
5. Claves filosóficas: Estoicismo desesperanzado
El soneto deforma tres principios clásicos:
-
“Conócete a ti mismo” (Delfos):
-
“Conozco el mejor y el peor apruebo” (v.7) es una confesión de impotencia, no de sabiduría.
-
-
“Ama fati” (amor al destino, estoicos):
-
Garcilaso lo invierte: “por costumbre mala o por mi hado” (v.8) suena a resignación amarga.
-
-
“Carpe diem” (Horacio):
-
Aquí el tiempo es enemigo: “el breve tiempo mío” (v.9) no invita a gozar, sino a desesperar.
-
Fuente clave: Séneca (De brevitate vitae), pero sin su consuelo metafísico.
6. Mitología subyacente: Tántalo y Sísifo
-
Tántalo (castigado a no alcanzar el agua):
-
“Conozco el mejor [agua] y el peor [sequía] apruebo” (v.7).
-
-
Sísifo (condenado a repetir su error):
-
“Si a mudarme… pruebo / allí por los cabellos soy tornado” (v.3-4).
-
-
Originalidad: Garcilaso humaniza los mitos: sus tormentos no son castigo divino, sino elección propia.
Reflexión final:
Garcilaso no camina: está atrapado en su propio laberinto. Los ásperos caminos no llevan a las estrellas, sino al vacío. ¿No es este el primer soneto moderno en español: aquel donde el yo descubre que, tras errar, solo queda mirarse a sí mismo?
Soneto X
¡Oh dulces prendas por mi mal halladas,
dulces y alegres cuando Dios quería,
juntas estáis en la memoria mía
y con ella en mi muerte conjuradas!
¿Quién me dijera, cuando las pasadas
horas que en tanto bien por vos me vía,
que me habiades de ser en algún día
con tan grave dolor representadas?
Pues en una hora junto me llevastes
todo el bien que por términos me distes,
llevame junto el mal que me dejastes;
si no, sospecharé que me pusistes
en tantos bienes porque deseastes
verme morir entre memorias tristes.
Diario de lectura Soneto X
Análisis del Soneto X de Garcilaso de la Vega
1. Contexto biográfico: Duelo y creación (1533-1534)
-
Posible elegía a Isabel Freyre: Aunque no hay evidencia textual explícita, la crítica señala este soneto como reflejo de su dolor tras su muerte (Keniston, Navarro Tomás).
-
Paradoja creativa: Las “dulces prendas” (¿cabellos? ¿versos?) son reliquias que matan y alimentan al poeta.
-
Destierro interior: Coincide con su exilio en Nápoles (1533), donde el duelo se vuelve materia poética.
2. Claves filosóficas: El tiempo como verdugo
El soneto deforma tres ideas clásicas:
-
“Tempus fugit” (Virgilio):
-
“Pues en una hora junto me llevastes / todo el bien” (v.9-10) = el tiempo no vuela, roba.
-
-
“Carpe diem” (Horacio):
-
Aquí los momentos felices (“términos”, v.10) son trampa para un dolor mayor.
-
-
Teodicea amorosa:
-
“¿Quién me dijera…?” (v.5-8) = pregunta retórica que cuestiona la justicia divina en el amor.
-
3. Mitología subyacente: Dido y Orfeo
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Dido (Eneida IV):
-
“Dulces exuviae…” (prendas de Eneas) → Garcilaso llora prendas-mortaja (v.1-4).
-
-
Orfeo:
-
“Memoria mía” (v.3) como Eurídice mental: al evocarla, la pierde de nuevo.
-
-
Originalidad: Mitos fragmentados (no hay epopeya, solo reliquias).
4. Análisis textual: Recursos y estructura
A. Motivos centrales:
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Oxímoron dramático:
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“dulces prendas / por mi mal” (v.1) = el amor como veneno memorioso.
-
“alegres cuando Dios quería” (v.2) = felicidad condicional y revocable.
-
-
Tiempo invertido:
-
Pasado (“términos”, v.10) vs. presente (“hora”, v.9) = el dolor es instantáneo, el gozo lento.
-
B. Intertextualidad:
| Verso | Fuente | Transformación |
|---|---|---|
| “Oh dulces prendas…” | Virgilio (Eneida IV) | Humaniza el lamento: Dido llora a Eneas; Garcilaso, a sí mismo. |
| “con mi muerte conjuradas” | Petrarca (Canzoniere CCCXXIX) | Seculariza las estrellas (“stelle congiurate”) en objetos cotidianos. |
| “llevame junto el mal” | Ausiàs March (“port-me la mort”) | Desdiviniza la muerte: no es destino, es castigo arbitrario. |
5. Síntesis: La paradoja del objeto poético
Este soneto no es elegía, sino anti-elegía:
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Las prendas no consuelan: Son armas de la memoria (“conjuradas”, v.4).
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El poeta no llora a la amada: Llora su propia incapacidad para sobrevivir al recuerdo.
-
La forma soneto (perfecta) vs. caos interior: Los endecasílabos contienen (y delatan) el desgarro.
Reflexión para el diario: Garcilaso no llora a Isabel: llora las palabras que la nombran. Las dulces prendas son alfileres clavados en el verso, y cada endecasílabo, un ataúd de mármol para un dolor que no cabe en él. ¿No es este el verdadero carpe diem: tallar en el poema la herida que el tiempo no cerrará?
Soneto XXVIII
¡Oh dulces prendas por mi mal halladas,
dulces y alegres cuando Dios quería,
juntas estáis en la memoria mía
y con ella en mi muerte conjuradas!
¿Quién me dijera, cuando las pasadas
horas que en tanto bien por vos me vía,
que me habiades de ser en algún día
con tan grave dolor representadas?
Pues en una hora junto me llevastes
todo el bien que por términos me distes,
llevame junto el mal que me dejastes;
si no, sospecharé que me pusistes
en tantos bienes porque deseastes
verme morir entre memorias tristes.
GARCILASO DE LA VEGA Églogas
Las églogas suponen la culminación de su talento poético. Este subgénero lírico es una composición en la que varios pastores dialogan sobre asuntos normalmente amorosos en el marco de una naturaleza idealizada. Si la primera exponía el lamento ante el desdén de la persona amada y la posterior tristeza por su pérdida, la segunda unía lo bucólico a lo heroico (a partir de los amores entre Salicio y Galatea, y Nemoroso y Elisa) y la tercera se afanaba en describir el paisaje del Tajo, poniéndolo en relación con el tapiz que pacientemente urden las ninfas.
El tema predominante de la poesía de Garcilaso de la Vega es el amor. Muestra una concepción del amor marcadamente neoplatónica y con influencias de la lírica de Petrarca. El repertorio de asuntos tratados es variado: indiferencia de la amada y dolor del amante, oscilación entre la esperanza y la desesperanza e introspección amorosa. Garcilaso aprovechará en varias ocasiones los mitos grecolatinos (Apolo y Dafne, Orfeo y Eurídice) para expresar sus propios conflictos sentimentales. De la misma manera cultivará el clásico tópico de «carpe diem», representativo de la nueva actitud vitalista de los autores renacentistas. Su poesía transmite una fuerte sensación de sinceridad que se explica por el componente autobiográfico de su obra y por el ideal de la época de mostrar la verdad con transparencia.
El otro tema de la poesía garcilasiana es la presencia de la naturaleza, como entorno estilizado en el que los personajes se quejan de sus experiencias amorosas y como confidente que escucha o consuela a los pastores en sus quejas. La inspiración le viene al poeta de las églogas clásicas y, en especial, de Virgilio.
La lengua poética de Garcilaso de la Vega se ajusta a los ideales renacentistas de naturalidad y elegancia. Su lenguaje es aparentemente sencillo, fluido y natural. Busca el equilibrio clásico entre pasión y contención. Este deseo de armonía se refleja en la frecuente simetría de sus estructuras poéticas (versos bimembres, paralelismos sintácticos,…). El magistral empleo de las metáforas y el cuidado en la selección del léxico buscan igualmente el ideal de belleza artística.
El tono de su poesía es dulce, triste y melancólico, como revela la adjetivación antepuesta frecuentemente utilizada («dulces prendas», «dulce nido», «triste canto», «triste y solitario día»,…). A ese tono contribuye el empleo de esa nueva métrica de origen italiano que aclimató al castellano. El empleo del endecasílabo dota a su poesía de gran musicalidad, trabajada gracias la delicada combinación de acentos y rimas, las aliteraciones, los hipérbatos o las simetrías.
Ediciones publicadas
‘Poesía completa’ (2011)
Texto en construcción…
Párrafos subrayados
Texto en construcción…
Edición: Juan Francisco Alcina
‘Poesía’ (2015)
Texto en construcción…
Párrafos subrayados
Texto en construcción…
Edición: José Rico Verdú
‘Poesía’ (2020)
Texto en construcción…
Párrafos subrayados
Texto en construcción…
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